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Robert Rauschenberg: retrospectiva

21 de noviembre, 1998 – 7 de marzo, 1999

Robert Rauschenberg: retrospectiva contiene todo el aliento de los destacados logros de este artista, nacido en 1925 en Port Arthur, Texas, y fallecido en 2008 en Captiva Island (Florida). La exposición, organizada cronológicamente, destaca su producción pictórica y escultórica, y refleja también el modo en que trabajaba con distintos medios. Además, la muestra presenta su obra como dibujante, fotógrafo e impresor, así como sus importantes colaboraciones en las artes teatrales y en el trabajo basado en la tecnología. Finalmente, podrá verse por primera vez La pieza de un ¼ de milla o de 2 estadios (The ¼ Mile or 2 Furlong Piece) en un espacio ininterrumpido.

El arte de Robert Rauschenberg siempre fue una inclusión reflexiva. El haber trabajado con un amplio abanico de temas, estilos, materiales y técnicas le hizo merecer el calificativo de precursor de prácticamente todos los movimientos de la posguerra, desde el expresionismo abstracto americano. Y, sin embargo, supo mantener su independencia de cualquier afiliación concreta. Al inicio de su carrera artística, a finales de los años 40, su creencia en que la pintura guarda relación tanto con el arte como con la vida planteó un desafío directo a la estética moderna dominante. Los famosos Combinados (Combines) que comenzó a realizar a mediados de los 50 introdujeron imágenes y objetos del mundo real en el reino de la pintura abstracta e hicieron frente a divisiones aprobadas entre la pintura y la escultura. Estas obras establecieron el diálogo continuo del artista entre los medios, entre lo artesano y lo readymade (ya hecho), y entre la técnica gestual del pincel y la imagen mecánicamente reproducida. El compromiso de colaboración que desde siempre ha mantenido con actores, impresores, ingenieros, escritores, artistas y artesanos de todo el mundo es una manifestación más de su expansiva filosofía artística.

Nacido con el nombre de Milton Ernest Rauschenberg en Port Arthur, Texas, en 1925, el artista comenzó su formación artística después de licenciarse de la Armada de los Estados Unidos en 1945. En el Black Mountain College, cerca de Nashville, Carolina del Norte, fue discípulo de Josef Albers, antiguo seguidor de la Bauhaus. Fue también en este lugar donde cimentó su amistad con el compositor John Cage y el bailarín/coreógrafo Merce Cunningham.

Entre 1949 y 1954, Rauschenberg introdujo las técnicas, los materiales y los motivos que le ocuparon de forma continua. Durante este fructífero periodo se dedicó a la fotografía, hizo sus primeras monoimpresiones e inició su andadura en la representación teatral participando en la obra de Cage Pieza de teatro #1 (Theater Piece #1) en 1952. Sus primeras pinturas, esculturas y dibujos ya reflejaban lo que sería su constante compromiso con la extracción de materiales e imágenes de su entorno inmediato.

Una vez instalado en Nueva York en 1949, Rauschenberg conoció el trabajo de los expresionistas abstractos e incorporó una pincelada libre a sus propias pinturas. Celebró su primera exposición individual en mayo de 1951 en la Betty Parsons Gallery de Nueva York, que a la sazón representaba a gran número de expresionistas abstractos. Madre de Dios (Mother of God) (ca. 1950), una de las escasas obras que existen de esta exposición, revela la temprana inquietud del artista por ampliar el lenguaje para dar cabida a temas figurativos como mapas, diagramas y números.

En sus pinturas blancas y negras, creadas entre 1951 y 1953, Rauschenberg exploró aún más el medio expresionista abstracto, si bien se desvió de su pureza pictórica con referencias que traspasaban el lienzo. Estampó guijarros y tierra en el pigmento negro de las pinturas Florecimiento nocturno (Night Blooming) (1951); las planas Pinturas blancas (White Paintings) (1951) se convirtieron en pantallas para luces y sombras que respondían a las condiciones que les rodeaban; y el collage de periódicos formó la base de las pinturas negras (black paintings) (1951-53).

Mientras viajó con el artista Cy Twombly por Europa y África del Norte en 1952, Rauschenberg creó collages con cartones utilizados para plegar camisas italianas que presagiaban su método consistente en combinar temas dispares y que contienen muchos de los motivos que han continuado siendo el núcleo de su obra: animales, partes del cuerpo, modos de transporte, reproducciones de arte, tipografía y diagramas.

Para Rauschenberg, existía una progresión natural de las Pinturas rojas a los Combinados, cuando comenzó a destacar el collage bidimensional y en última instancia los objetos tridimensionales. Ahondando en el concepto de los readymade de Marcel Duchamp, Rauschenberg dio una nueva importancia a objetos ordinarios como una colcha de retales o un neumático de automóvil, yuxtaponiéndolos a objetos con los que no guardan ninguna relación y colocándolos en el contexto del arte. Rauschenberg estuvo respaldado a lo largo de estos años por un diálogo intelectual con Cage y Cunningham, así como con el artista Jasper Johns, quien, al igual que él, estaba interesado en desviar el arte de lo corriente.

Para finales de los 50 y comienzos de los 60, la imagen encontrada había adquirido una importancia trascendental en el vocabulario visual de Rauschenberg. Incorporó periódicos y revistas a sus dibujos, impresiones y pinturas a medida que perfeccionaba las técnicas de la transferencia con disolventes, la litografía y la serigrafía. Los dibujos por transferencia, producidos simultáneamente con los Combinados, llevaron el elemento del collage al plano bidimensional: las imágenes encontradas eran continuas a la superficie pictórica y se mezclaban con áreas pintadas y libremente dibujadas. Esta mezcla de figuración y abstracción continúa siendo el distintivo del estilo de Rauschenberg hasta nuestros días.

En 1962, Rauschenberg exploraba la técnica de la transferencia en sus ediciones de grabados. Desde entonces, la producción de impresiones continuó siendo fundamental en la práctica artística de Rauschenberg, debido a la inherente reproducibilidad de la técnica y a la extensa gama de efectos que le permitía conseguir. En la serie de pinturas serigrafiadas de entre 1962 y 1964 utilizó un medio comercial de reproducción ensalzando los temas de los medios de comunicación, identificando así al artista con el arte Pop.

La creciente reputación de Rauschenberg como artista puntero de su generación se consolidó con su primera exposición individual en un museo celebrada en 1963 en el Jewish Museum de Nueva York, y con el gran premio que le concedieron en la XXXII Bienal de Venecia al año siguiente. Durante el resto de la década, Rauschenberg se dedicó principalmente a la producción de impresiones y a participar en aventuras colectivas teatrales, así como a explorar el arte basado en la tecnología, actividades que le alejaron constantemente de su estudio.

Durante los 60, la participación de Rauschenberg en el teatro le situó a la vanguardia de la danza. No solo incrementó su trabajo, iniciado a mediados de los 50, como diseñador de decorados, vestuarios e iluminación para las compañías de baile de Cunningham y Paul Taylor, sino que también trabajó como coreógrafo y actor, en gran medida gracias a su vinculación con el Judson Dance Theater, un amplio colectivo de bailarines y artistas. Las obras teatrales de Rauschenberg incorporaron algo característico de su práctica artística en todos los medios, lo cotidiano y lo inesperado: los bailarines a menudo utilizaban movimientos ordinarios e improvisados y sus decorados estaban compuestos en ocasiones de objetos encontrados, Combinados y de una escenografía extraída de la vida real en la que la actividad humana y el atrezo del escenario eran indistinguibles.

El fomento de la relación de trabajo entre artistas e ingenieros fue el principio básico de la E.A.T. (Experiments in Art and Technology, Experimentos en arte y tecnología), una organización establecida en 1966 por Rauschenberg con otras personas, entre las que se encontraba Billy Klüver, científico de investigación de Bell Laboratories. Ya a mediados de los 50, Rauschenberg había incorporado a sus Combinados dispositivos eléctricos y electrónicos en forma de bombillas y radios. Pero fue la colaboración que mantuvo con ingenieros en los 60 lo que le permitió integrar la luz, el sonido y el movimiento en entornos interactivos a gran escala. La brujería tecnológica transformó obras escultóricas, como Oráculo (Oracle) (1962-5) y Sonidos (Soundings) (1968), en instalaciones sumamente interactivas, a menudo activadas por la participación del público.

Con su traslado en 1970 de Nueva York a Captiva, una isla de la costa del Golfo de Florida, Rauschenberg aclaró su paleta. Huyendo de la iconografía urbana cultivó un lenguaje abstracto y la utilización de fibras naturales, como el tejido y el papel.

El temprano interés que Rauschenberg sintió por la fotografía fue renovado en 1979, cuando colaboró por primera vez con la Trisha Brown Company. Posteriormente, hubo varios proyectos fotográficos, entre ellos Dentro + fuera de los límites de la ciudad (In + Out City Limits) (1980-1), Fótems (Photems) (1981/1991) y Pabellón de verano chino (Chinese Sumerhall) (1982-3), todos los cuales revelan la preferencia del artista por los temas comunes y callejeros. Desde este momento, las imágenes incorporadas a su trabajo en todos los medios procedieron exclusivamente de sus propias fotografías.

Durante los 80, Rauschenberg acometió dos proyectos a largo plazo. El primero, La pieza de un ¼ de milla 2 estadios (The ¼ Mile or 2 Furlong Piece), es una obra en progreso iniciada en 1981 con la pretensión de ocupar un espacio de 400 metros o más a su término. De carácter retrospectivo, esta pieza está repleta de referencias a su vida y carrera, presentando motivos y técnicas antiguas a la vez que tendencias actuales de su arte.

Entre 1984 y 1991, el artista participó activamente en el proyecto ROCI, Intercambio Cultural Transoceánico Rauschenberg (Rauschenberg Overseas Cultural Interchange). Fue una expresión tangible de su fe en el poder del arte y en la colaboración artística como provocadora del cambio social internacional y la culminación de su prolongado compromiso con los derechos humanos. Para el proyecto, Rauschenberg viajó a once países alrededor del mundo y exploró diversas culturas y prácticas artísticas locales.

ROCI produjo un extraordinario y diverso conjunto de obras que, a su vez, lanzaron su serie de esculturas y pinturas metálicas iniciada a mediados de los 80. Tras haber pintado y serigrafiado sobre cobre primeramente con ocasión de la exposición ROCI de Chile en 1985, Rauschenberg exploró durante la siguiente década en varias series sucesivas el empleo del metal como soporte para pintura, deslustres, esmaltes e imágenes serigrafiadas. Las imágenes y los objetos encontrados a menudo aludían a los viajes del artista, mientras que las superficies metálicas pulidas reflejaban el entorno más inmediato de las obras.

Desde 1992, Rauschenberg utilizó una impresora Iris para producir impresiones digitales en color de sus fotografías. Con esta tecnología conseguía las  imágenes de alta resolución y las tonalidades luminosas de sus obras sobre papel a gran escala, como en Anagramas (Anagrams) (1995-7). En 1996, transfirió las impresiones Iris al yeso húmedo en Retiros arcádicos (Arcadian Retreats), una serie de frescos que le abrió una vía de exploración totalmente nueva.

Julia Blaut
Area Curatorial del Solomon R. Guggenheim Museum

Robert Rauschenberg

Sin título (Sue) [Untitled (Sue)], 1950

Cianotipo expuesto

177,2 x 105,7 cm

Colección de Susan Weil

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